自從1990年代晚期卡塔琳娜．葛羅斯開始作畫以來，她的繪畫裝置藝術有了極大的演變，先從平面繪畫走向立體多面向，近年來葛羅斯又嘗試轉變更大的空間，開始處理一些如雕塑及建築的根本問題，發展出一種視覺表現的領域，完全屬於她的個人風格。

雖然很多藝術家都已跳出畫框的限制、進入屬於雕塑的空間，但葛羅斯的獨到之處在於她堅持繪畫有其物質性、帶有黏滯的本質，經由傾倒、噴灑、塗抹、或滴落等方式，表現可以有所不同，但仍不脫液體特性。或許這也反應出一個事實：雖然她現在也從事房間裝置藝術，葛羅斯仍繼續在帆布上創作傳統的油畫，就算是空間最為複雜的情況，她會去找出那根本上仍是圖像的本源。

葛羅斯的志業，本質上就是要去找出色彩固有的特性，特別是要看看色彩如何能將其所在的空間加以轉換變形。因此，我們比較不會注意她的藝術是否和其容器有了碰撞或是重疊，而會看到這種繪畫活動在哪些地方帶出了最大的密度，如此便激勵了我們，希望能創造出體驗色彩的脈絡，也更加支持葛羅斯的繪畫裝置。

在台北雙年展中，葛羅斯的裝置提案將徹底改變台北市立美術館的大廳，以耀眼色彩塑造出鮮明奇景，讓一些地方看起來如同漂浮在空中一般。聚砂成山、顏料成河，再搭配大型發泡塑料板，擴展整個場域，但總維持著一種基本的感覺：繪畫就如同一層皮膚一般。雖然大廳高度超高、又有朝向公園的景觀，對繪畫裝置而言並不利，但葛羅斯還是顛覆了我們常有的成見，告訴我們：博物館絕不只是展示藝術完全中立的容器。